Motif et projectibilité d’une oeuvre d’art : quand la musique est un marqueur émotionnel fort, vecteur de transmission et valeur de connaissance

Un concert des professeurs de cordes pincées du conservatoire de mes enfants, m’a absolument bouleversé, cette semaine. Nous avions eu le privilège d’assister à une expérience innovante mêlant des morceaux de musique baroque interprétés au clavecin et à la guitare,  relevés par des jeux  de Charango  et de percussions au rythme de musiques d’Amérique latine.

Nous avons été totalement transportés, par ces vibrations mêlant sensualité, fraîcheur et surtout donnant un élan de vitalité qui nous fait pousser des ailes. Très touchée par l’interprétation de la « Peregrinacion » d’Ariel Ramirez. J’ai voulu en savoir plus sur cette musique, dont les airs m’étaient familiers.

Il ressort qu’elle fait partie d’une série de morceaux, de La Misa Criolla (la Messe Créole), l’œuvre Majeur du grand compositeur argentin Ariel Ramirez, créée en 1963, et dont la motivation première était de créer une œuvre profonde d’inspiration religieuse, un hymne à la vie qui pourrait toucher chaque individu quelles que soient ses croyances, sa race, sa couleur de peau ou son origine. Une oeuvre qu’il voulait « être » une référence à l’être humain, à sa dignité, à la liberté et au respect de l’homme en tant que créature de Dieu.

En proposant au grand poète Felix Luna d’en écrire les paroles, elle atteint un degré de pureté et de profondeur dont les marqueurs émotionnels vont briser toutes les frontières pour en faire une œuvre planétaire où la magie continue toujours d’opérer.

Des œuvres musicales d’intensité aussi expressive qui transcendent le sacré dans ce qu’il a de plus beau et de vrai, nous rappelle le génie de Jean Sebastien Bach, dont l’œuvre ne cesse de nous fasciner par sa splendeur, sa puissance émotionnelle et son incroyable modernité pour son temps.  « Une œuvre d’art communique à ceux qui la comprennent ce qu’elle porte en elle. Et rien ne sait exprimer les mystères indicibles de l’âme et du cosmos aussi bien que la musique. » écrit le compositeur et musicien Jean-Christian Michel.

Ce rapport de la musique au langage qui la transcende pour traduire l’ineffable, nous renvoie immanquablement vers l’œuvre majeure de Wittgenstein (1,2) qui dote cet ineffable là d’une capacité auto-expressive exemplaire dans le cas de la musique. Il confère à « l’Idée musicale » même une  fonction structurale, synonyme de forme créant une architecture de symboles doués de sens. A. Soulez (3).

La dimension de la forme est amplifiée par l’importance donnée  au contenu sentimental, (das Affekt), dont la « suavité » ressort sur la totalité de l’œuvre composée.

S’il est vrai que l’œuvre d’art permet d’accéder à l’indicible par  une forme d’expressionnisme esthétique lié à la possibilité de décrire des réactions subjectives  liées profondément à l’affect. C’est aussi une forme d’expression et un langage émotionnellement très fort porteur de « sens » universels, qui permet de réaliser une symbiose synergique des éléments coexistants dans un environnement.

Mais c’est aussi probablement par un effet de chiralité, la projection d’un ou plusieurs « Umwelten » (pluriel de Umwelt : monde environnant ou monde propre » au sens du pionnier de l’éthologie Jacob von Uexküll (4), qui développe ce concept, qui unifie l’ensemble des processus sémiotiques créateurs de sens d’un organisme. Pour un organisme humain, le « Umwelt », dépend directement des ses capacités perceptives, de ce qui pour lui, fait sens dans l’environnement, pour asseoir son adaptabilité. Il représente ainsi, la somme de ses expériences issues de ses parties fonctionnelles (nos cinq sens) lui permettant d’appréhender le monde.

Dans un lieu comme l’école où l’environnement est en forte corrélation avec la construction de son « Umwelt », n’avons nous pas ici quelques pistes de réflexions pour repenser l’école et les institutions du savoir en y déployant de nouvelles synergies pour des projets d’apprentissages dignes des intelligences  collectives coexistantes,  dans la construction des savoirs et l’émergence de connaissances portées par des marqueurs émotionnels forts, comme la musique, les sons, les lumières, les couleurs et le cinéma, qui vont avoir un impact indélébile sur la mémoire dans le processus cognitif d’apprentissage.

L’école est vide d’enchantements, l’émerveillement et la création doivent y occuper un rôle central en mutualisant les énergies, pour favoriser l’émulation et l’envie d’apprendre avec tout le plaisir que cela procure.

Les œuvres d’art, la musique, les sons, les lumières, nous permettent de fluidifier l’espace de communication, et nous interpellent en permanence sur des points d’orgue qui nécessitent une pause, des analyses, des confrontations d’idées et des expérimentations avant d’asseoir un savoir qui aura été produit collectivement.

En lisant un article sur la muséographie (5), j’ai été interpellée par le rôle majeur que joue cette discipline dans la valorisation des créations artistiques et scientifiques et les oeuvres du patrimoines qui conservent cette mémoire collective.

La muséographie pourrait servir d’outil de mise en forme du projet pédagogique dans les écoles, par l’équipe pédagogique et un consortium d’intervenants extérieurs. Comme les artistes, les scientifiques et les philosophes, en travaillant sur les fondements symboliques, et patrimoniaux de l’école à travers son histoire, son architecture,…et les productions immatérielles que ces établissements produisent sous forme de projets, d’ idées, de vocations, d’ambitions. Nous devons prendre le temps d’exploiter tous ces gisements de connaissances pour les capitaliser et en créer une véritable œuvre à transmettre aux futurs arrivants en y marquant nos propres empreintes,  qu’ils continueront à leur tour de façonner et à développer selon leurs sensibilités et leurs propres marqueurs émotionnels, qui évolueront en fonction de leurs envies de créer en musique, en art plastique, en littérature, en cinéma ou sous forme théâtrale.

Dans Languages of Art (1968), Nelson Goodman (6) développe la thèse selon laquelle il n’y a pas d’art sans un principe de projectibilité mais aussi que, en vertu de ce principe, une oeuvre d’art est une « version-monde».  Si, comme l’écrit Nelson Goodman « En modélisant l’idée musicale, l’œuvre musicale la projette en annonçant un motif », Ariel Ramirez  le pressentait intuitivement dans son œuvre « la peregrinacion » en la définissant comme une estampe musicale. Elle portait en effet en elle intrinsèquement l’idée du motif universel et de sa projectibilité dans l’espace et dans le temps.

 

1 . Le plus cultivé musicalement de tous les grands philosophes après El Farabi (appelé par Averroès le
     second instituteur de l’intelligence après Aristote).

2.  Scruton Roger , « Wittgenstein et la compréhension musicale » , Rue Descartes, 2003/1 n° 39, p.

69-80. DOI : 10.3917/rdes.039.0069

3.  Antonia Soulez Circuit : musiques contemporaines, vol. 17, n° 1, 2007, p. 27-47.

4.  Jakob von Uexküll, Mondes animaux et monde humain, suivi de La théorie de la signification, trad.

Philippe Muller, Paris, Pocket, 2004.

5.  L’épaisseur du temps, Publications scientifiques du Museum d’histoire Naturelle. Collection

Archive.Paris. 2011.

6.  Nelson Goodman, Langages de l’art, Hachette littératures, Collection Arts Pluriel, éditions Jacqueline

Chambon, Nîmes, 1990.